Seminario de Ingreso

para la formación en Danzaterapia

DANZAT Buenos Aires.

Próximas fechas:

22 de Diciembre 2018 y 9 de Febrero 2019

 

Podés elegir una de las dos fechas, la que te resulte más conveniente.

Los dos seminario se dictan de 9 a 13:30 hs en la nueva sede de DANZAT Buenos Aires,  Hidalgo al 1400, CABA.

SEMINARIO_PARA_2019

Sábado 3 de Noviembre  2018

15 a 21 hs. en DANZAT Buenos Aires, Hidalgo al 1400, a dos cuadras del Parque Centenario, CABA.

Los alumnos del interior o del exterior del país, cuentan con una fecha especial para cursar el seminario de inicio el miércoles 22 de mayo 2019 , previo al Seminario Uno de la Formación, el requisito es inscribirse en forma anticipada a la formación profesional.

Inscripción: danzat.info@gmail.com

Arancel: $ 650

Bono_anticipado_22_diciembre

Bono_9_febrero

Inscripción anticipada: $ 350

(hasta una semana antes del seminario sin excepción)

danzat.info@gmail.com

Este seminario es de participación libre, para probar y conocer nuestro sistema de trabajo y poder decidir luego si querés inscribirte en la formaciòn profesional.

Se abordan los primeros temas del programa de la carrera:

  • Improvisación y composición. Aplicación de las geometrías naturales en el armado de coreografías espontáneas grupales.
  • Recursos creativos de la danza, el movimiento, el teatro que pueden ser aplicados en clases y talleres.
  • Exploración a través del movimiento del primer Valor de la escuela: Libertad.
  • Explicación teórica y didáctica básica sobre los conceptos fundamentales de la Danzaterapia, la metodología de estudio, la organización general.
  • Disciplinas somáticas. Herramientas para soltar , relajar, elongar  y tomar contacto con la consciencia corporal.

 

Leer más sobre el seminario de inicio y la formación.

 

DANZAT estuvo presente en el VII Congreso Internacional de Danza Movimiento Terapia. Cuerpo Social, Narrativas en Movimiento. Buenos Aires 27 y  28 de octubre 2018 Organizado por la AADT. DANZAT_PRESENTE_2018

Aquí egresadas y equipo de DANZAT que se hicieron presentes en el encuentro, para participar y colaborar.

Una experiencia que  nos hizo más fuertes y unidos en la comprensión de la tarea que estamos realizando y en lo que tenemos para aportar.

Gabi Golub, directora de DANZAT , creadora del sistema, y vicepresidente de la AADT, presentó en esta oportunidad un taller vivencial La voz del Cuerpo entramada en el grupo. Este taller integró herramientas de Danzaterapia Transpersonal y Musicoterapia.

Se trabajó desde la conexión con el propio cuerpo, el peso, el tempo personal y grupal, la sinergia rítmica en la grupalidad, la libertad expresiva, la concordancia vocal , el registro  de las letras como herramienta que aportan contenido al decir del grupo expandiendo la potencialidad de la integración.

Descargar PDF sobre el desarrollo teórico del taller:

Historia de la Danza Moderna: La Danza Libre

_La danza no es solo transmisión de una técnica sino también de un impulso vital profundo_ _ Isadora Duncan

En los  artículos anteriores hice una introducción sobre los precursores de la danza moderna, François Delsarte y Émile Jaques- Dalcroze, quienes sin ser bailarines, elaboraron teorías que sirvieron de base a la incipiente danza moderna.  El propósito de estas notas es ir  avanzando en la la historia de las danza,  para entender las raíces de la danza como terapia y así,  conocer sus orígenes, pionerxs e influencias.

A principios del Siglo XX todas las ideas de concebir el cuerpo, que fueron desarrollando los precursores de la danza moderna, donde los elementos que  tradicionalmente se relacionaban con la representación (las extremidades) o de la expresión (rostro), entraron en conflicto con el reconocimiento del torso como centro del movimiento interior. Esta revolución del cuerpo, donde se considera al cuerpo, como  expresión de si mismo y del mundo, se desarrolló principalmente en Alemania y Estados Unidos. Lo que caracterizó a esta corriente que se denominó “Danza Libre” es la búsqueda de los movimientos naturales del cuerpo, rechazando los aspectos formales del ballet.

La aparición de la danza libre se encuentra ligada en occidente a la noción de individuo. El trabajo se desarrolla a partir de los aspectos orgánicos del cuerpo (el peso, la tensión-  relajación muscular, el impulso, la respiración). Asimismo, se centrará en otros elementos como ser: la caída, el movimiento pendular y el desequilibro.

Su estilo se caracteriza, por la búsqueda de un movimiento natural, marchar, lanzar, balancear, recoger, esparcir, etc. Los movimientos son plásticos y fluidos. Se exalta la relación con la naturaleza, al aire libre, el cuerpo se descubren se usan túnicas livianas,  los pies se descalzan y se encarna a su propia persona no a un personaje ajeno.

Se considera a Isadora Duncan,  la representante central de este movimiento, como también lo fueron Loïe Fuller, Allan  Maud, Ruth Saint- Denis, entre otrxs.

“El ballet representaba ascetismo, mientras que, consciente e inconscientemente, tanto Duncan como yo intentábamos unir ciertos elementos de la vida y el movimiento en una identificación más profunda con las expresiones naturales de lo que se había intentado desde la edad dorada de la danza” Ruth Saint- Denis (1969)

En los próximos artículos  ampliaré el tema contándoles sobre la vida y obra de lxs representantes principales de este movimiento.

Nota de: Natalia Iglesias

Fuentes consultadas:

Mª José Alemany Lázaro: “Historia de la Danza II” Ed. Piles, editorial de la Música SA,  Valencia, España, 2013.

Abad Carlés, Ana: “Historia del ballet y de la danza moderna” Ed. Alianza, Madrid, España, 2004.

Wengrower, Hilda y Chaiklin, Sharon: “La vida es danza” Ed. Gedisa, Barcelona, España, 2008.

 

 

 

 

 

 

 

Historia de la danza moderna: Émile Jaques – Dalcroze

En esta nota: Émile Jaques – Dalcroze

Continuando con la serie de publicaciones sobre la “historia de la danza moderna”, otro precursor con el que nos encontramos, es Émile Jaques -Dalcroze cuyo método de rítmica a través del movimiento influenció a la nueva generación de creadores y precursores danza moderna, como ser: Mary Wigman y Rudolph Laban. 

A través de este artículo quiero compartir un poco de su historia y las bases de su método  cuyos aportes son muy importantes en la educación musical, danza, musicoterapia y danzaterapia.

Émile Jaques -Dalcroze (1865 – 1950, Austria – Suiza)

Breve reseña de su historia:

Nace en Viena el 6 de julio de 1865, fue un músico, pedagogo y compositor. En 1892 comenzó su carrera como un pedagogo en el Conservatorio de Música de Ginebra, donde él enseñó armonía y solfeo. Fue en sus cursos de solfeo donde comenzó observar en  su alumnado una conexión débil entre ritmo y gesto,  así como también, la ausencia de armonía y coordinación entre movimiento y su aplicación. Estas observaciones lo  llevaron  a indagar sobre las causas y encontrar  soluciones a través de la rítmica y la expresión corporal estilizada de los sentimientos y emociones musicales.

Para Dalcroze  la música es el fundamento de la estimulación del movimiento y danza, buscando la armonía del movimiento.

El método Jaques – Dalcroze

Entre 1903 y 1910, Dalcroze comenzó a dar presentaciones públicas de su método y en 1915 fundó el Instituto Jaques-Dalcroze de Ginebra para enseñar y desarrollar su sistema (Eurhythmics) Este método de aprendizaje musical se basa en el  la importancia del movimiento corporal para desarrollar la educación del oído y la percepción del ritmo a través de la totalidad del cuerpo. Utilizando para ello, la rítmica, el solfeo y la improvisación.

El objetivo del sistema es armonizar las facultades sensoriales, motrices,  mentales y afectivas del individuo, mediante la atención y la sensibilidad. En estas facultades se encuentran y se relacionan con la filosofía de Platón respecto a la « música» el gesto, expresión del cuerpo, el verbo, expresión del pensamiento, y el sonido, expresión del alma.

El aprendizaje grupal de la metodología fomenta las capacidades de adaptación, reacción, sociabilización e integración.  Al mismo tiempo que desarrolla una educación auditiva activa, conciencia corporal y estimula capacidad para improvisar corporal y musicalmente.

Los ejercicios corporales que se realizan en el aprendizaje del método, permiten crear una imagen interior del sonido, ritmo y forma. Además, se utilizan recursos auxiliares como pelotas, aros, cintas, pentagramas, pañuelos, percusión con panderos, entre otros.

La rítmica se fundamenta en la movilización de mente y cuerpo. Los beneficios del método se aplican en niños, adultos, discapacidad mental, sensorial o motora.

Asimismo, la rítmica se sirve del entorno espacial como medio para realizar  movimientos y desplazamientos corporales, posibilitando descubrir las relaciones de la energía, el espacio y el tiempo y produce el efecto que Dalcroze llamaba “corriente de conciencia” entre las diferentes partes del ser.

Algunas aportaciones del método, según Megías Cuenca (2009) :

  • Los ejercicios deben estar subordinados a las capacidades manifiestas de los alumnos y a sus posibilidades de expresión.
  • Se debe respetar la espontaneidad del alumno.
  • La improvisación es una estrategia imprescindible a la hora de trabajar con el cuerpo y lograr el desarrollo personal, expresivo y artístico.
  • Es muy importante ayudar a cada alumno a descubrir sus posibilidades latentes,
    aunque presente dificultades o menos aptitudes aparentes (para la música, la
    danza,..)
  •  La dinámica de clase debe buscar en ciertos momentos ejercicios de reacción
    (auditiva, visual, táctil,..) para no caer en automatismos.
  • Potenciar la escucha a través de todo el organismo.
  • Ayudar a percibir y responder corporalmente ante cambios de matices musicales.
  • Ayudar al alumno a sentir que los ritmos corporales difieren espontáneamente en fuerza y en duración según el peso y el tamaño de los miembros puestos en movimiento.
  • Efectuar movimientos con un mínimo de energía y un máximo de eficacia, utilizando el poder dinamizante y canalizador de la música.
  • Trabajar la respiración adecuada y consciente.
  • Potenciar que el alumno encuentre su propia forma de actuar, que no se limite a imitar formas, sino que encuentre su propia “actitud”.

Tras este breve resumen podemos reconocer los aportes de Jaques – Dalcroze que tiene tanto para la educación musical como para la danza, así como también, para la musicoterapia y danzaterapia. El  método rítmico de de Jaques – Dalcroze se  fundamenta en la educación a través del cuerpo y del movimiento y  propone que la música, sea enseñada a través del movimiento, lo que vincula aun más la música con la danza. Al mismo tiempo que relaciona  la movilización y desarrollo de la mente con cuerpo, añadiendo así el aspecto cognitivo y psicológico.

“Me entrego a soñar una educación musical en la que el cuerpo desempeñaría por sí mismo, el papel de intermediario entre el sonido y nuestra mente, y se convertiría en el instrumento directo de nuestros sentimientos” Bachmann (1998)

Nota de: Natalia Iglesias para DANZAT

Fuentes consultadas:

Bachmann, Marie-Laure: “La rítmica Jaques-Dalcroze”. Una educación por la música y para la música” Ed. Pirámide, Barcelona, España, Traducción: 1998.

Llongueres, Joan: “El ritmo en la Educación y Formación General de la Infancia” Ed. DINSIC Publicacions Musical, Barcelona, España, 2002.

Megías Cuenca, M. Isabel: Optimización en procesos cognitivos y su repercusión en el aprendizaje de la danza. Valencia: Universidad de Valencia. Servicio de
publicaciones, 2009.

Enlaces relacionados:

https://www.dalcroze.ch/english/what-is-eurhythmics/

https://www.contemporary-dance.org/historia-de-la-danza-moderna.html

Historia de Danza Moderna: François Delsarte

 

 

 

Los Precursores: en esta nota François Delsarte

François Delsarte (Solesmes 1811-1871 París) fue cantante, maestro de canto, declamación y estética, teórico del movimiento y pedagogo francés.

Tras una infancia difícil en la que pierde a toda su familia, Delsarte fue admitido en el Conservatorio de París, para estudiar canto. Alrededor de 1830 inicia su carrera como tenor, pero al perder la voz, al parecer por una mala praxis, debe interrumpir su carrera.  Este hecho lo motiva a investigar otros modos de entrenamiento conduciéndole a estudiar las relaciones entre el gesto y la voz.  Realiza observaciones y registra sistemáticamente, el comportamiento humano en la calle, en los parques y, también, en hospitales psiquiátricos; también de los gestos que acompañan a las palabras, de las relaciones existentes entre las inflexiones y el tono de la voz, los movimientos, expresiones y los sentimientos.

Entre 1840 y 1870, desarrolla su teoría de la expresión basada en la estrecha relación entre gesto y emoción. Sus teorías fueron  introducidas, en los Estados Unidos, por su alumno y asistente James Steele MacKaye y luego difundidas por los discípulos de este. A través de ellos, sus ideas llegaron a varias figuras de la historia de la danza moderna como Ruth Saint Denis, Ted Shawn, Isadora Duncan, Rudolf Labán, entre otros.

El delsartismo es fundamental en todos los sistemas de la danza moderna ya que brindaron las bases de un método de trabajo y el estudio del movimiento. Su análisis del cuerpo y de sus medios de expresión es de suma importancia en el desarrollo de la conciencia corporal y  la comprensión de las emociones humanas.

Delsarte reconoce el papel de los hombros como revelador del estado de ánimo de las personas y el torso como el centro vital de donde procede el movimiento y verdadero instrumento de la expresión.

A través de la creación de las leyes de expresión, descubre la estrecha relación entre la voz y el gesto,  y sus significados emocionales. También, encuentra la relación de  la espalda que se extiende (abre) o se repliega (enrolla) según el estado afectivo. Este hallazgo da origen a un principio básico: toda expresión proviene de la tensión y relajación de los músculos del cuerpo. Esta teoría fue  posteriormente utilizada y adaptada por  la danza moderna.

Otro de los principios fundamental de Delsarte es  la “ley de la correspondencia”
que postula una relación fija entre lo físico y lo espiritual, entre el movimiento y su
significado (a cada cambio espiritual le corresponde un movimiento corporal)  Esta relación hace referencia a la trinidad (cuerpo, mente y alma/espíritu) que reflejan la triple naturaleza divina que se corresponden respectivamente: el cuerpo con las sensaciones, la mente con el pensamiento y el alma/espíritu con los sentimientos.

Para  Delsarte, el arte tiene la misión de espiritualizar al ser humano y el ser perfecto logra un equilibrio/armonía entre cuerpo, mente, alma/espíritu. Asimismo, asocia una modalidad de expresión exterior a cada estado interior: la voz a las sensaciones, el gesto a los sentimientos y la palabra al pensamiento.

Otro principio que aporta es su “ley de la elevación”, que hace referencia a un movimiento que progresa desde el repliegue, en el suelo en posición fetal, hasta el despliegue total, de pie y con los brazos extendidos. Este movimiento es incorporado en las bases de la danza moderna.

Asimismo, considera fundamental el peso corporal y su desplazamiento, dando lugar a  la gravedad, contrariamente a la danza clásica de negación de la gravedad y elevación permanente. Este aporte es relevante para la futura danza moderna y análisis del movimiento

Otro de sus aportes es la “ley del movimiento armonioso” en la que divide en tres grandes tipos de movimientos: oposiciones (indica fuerza física) , paralelismos (indica debilidad) y sucesiones (expresa emoción) , según la intervención de la parte física, espíritu-emocional o mental.

También, distingue la dinámica o ciencia de la expresión del movimiento en tres categorías (ritmo, inflexión y armonía):

– El ritmo: es la expresión de las sensaciones. Puede ser lento, moderado o acelerado. -La inflexión, tiene dos aspectos: 1- La forma: movimientos directos, (lineales, expresan decisión) circulares (líneas cóncavas, convexas, sinuosas, expresan gracias, expansión) quebrados (líneas oscilantes, expresan vacilación) 2- La dirección (derecha-izquierda, atrás- delante, arriba- abajo y viceversa)

Delsarte no escribió ningún libro sobre su sistema de análisis del movimiento, pero sí lo hicieron sus seguidores y discípulos directos o indirectos. Es indudable la influencia en distintas disciplinas artísticas y en los precursores de la danza moderna, que iremos desarrollando en los próximas notas.

Nota de: Natalia Iglesias para DANZAT

Fuentes consultadas:

HISTORIA DE LA DANZA II. La danza moderna hasta la Segunda Guerra Mundial. Autora: Mª José Alemany Lázaro. Editorial Piles (2013)

Delsarte system of expression, by Genevieve Stebbins; public-domain, online version on Google Books

DANZAT estuvo presente en el IV Congreso Internacional de Danza Movimiento Terapia. Buenos Aires 28 de octubre 2017. Organizado por la AADT. Movimiento y Resilencia.CONGRESO_2017_2

Aportes desde la experiencia.
Por Gaby Golub.

Este es un aporte desde  mi participación como espectadora y moviente.  Es enriquecedor re-encontrarse ente colegas porque siempre queda mucho por aprender compartir, reconocer. Generalmente nos queda poco o nada de tiempo para debatir luego de las experiencias, y creo que sería bueno poder reflexionar juntos desde este espacio virtual para rescatar lo que a cada uno le resultó significativo.

Desde mi vivencia entonces,. Quería compartir algunas herramientas que me resultaron fundamentales, desde mi escucha y mi vivencia.(aclarando que el reporte es incompleto, porque en algunos espacios no pude estar)

IMG_2811

Hermoso el espacio elegido , el Centro Cultura 25 de Mayo, con un maravilloso piso de madera, circular, favorecedor de rondas y rondas.. con unos impresionantes vitreaux

IMG_2806Panel Interdisciplinario: Terapias Creativas y proceso de Resiliencia.

Lic. Aurelia Chillemi por Danza Comunitaria. Bailarines toda la vida

 Me sentí muy identificada por la importancia que se le da a la creación estética y no mecanicista de la coreografía grupal.

Cuando presenté nuestro programa ante la AADT hace más de 7 años, lo que más me cuestionaron era porqué teníamos una  materia que se denominaba “Coreografía”. Esta materia de nuestro programa, que actualmente se denomina Improvisación y Composición, deviene de la Improndanza de Eliseo Rey. El cuestionamiento me llevó a fundamentar cómo se puede concebir  la Coreografía dentro del marco de la danzaterapia, que era algo inaceptable para la DMT en ese momento. Durante muchos años investigué los alcances de la creación compositiva en la danzaterapia. Es por eso que me resultó tan reconfortante escuchar a Aurelia contando su experiencia. Con más de 30 años de trabajo y  un enorme conocimiento teórico sobre el tema, fue explicando con claridad las razones por las cuales incluir la coreografía en el marco de la danzaterapia no solo es válido sino necesario.

La generación grupal de una improvisación que va tomando forma y se va haciendo plausible como espacio de representación simbólica es sumamente valiosa para el grupo y cada uno de sus integrantes. La coreografía derivada de la improvisación es, como dijo Aurelia, un proceso de síntesis, un proceso creativo de auto-transformación, que rescata sensibilidades y saberes. El proceso de resolución creativa, plasmándolo desde el eje estético lleva a rescatar lo suyacente, integrar al grupo, y generar una transformación personal y comunitaria.

Ella habló del trabajo que se hace en  el “aquí y ahora” y del especial valor que se le da a este producto creativo, que implica un proceso de elaboración y auto-transformación incluyendo contenidos existenciales y sociales. Contó que las repeticiones no son mecánicas y que es desde la exploración personal que se posibilita acceder a lo simbólico.

Nos recordó que desde Winicott la creatividad está relacionada con el espacio transicional, eso implica el  valor de crear un sostén. La repetición, el tiempo de espera, permite la alternancia de presencia y ausencia del otro. En cada repetición surgen nuevos significados a partir del aporte de lo grupal, produciéndose una re-significación, un volver a crear. Aparecen entonces nuevos organizadores de sentido, que llevan a  la inmediata desorganización de lo ya establecido para llevar a la resolución creativa de los conflictos. No es su objetivo que los participantes se transformen en bailarines profesionales, sino habilitar la experiencia de participar, como transformadores de la realidad. Dar lugar  a la creación permite asistir a esa experiencia de proceso que lleva al fortalecimiento yoico. La creación conjunta permite  el fortalecimiento del grupo y una instancia generadora de sentido ante la comunidad.

Aurelia compartió como podía apreciar el placer y empoderamiento que genera la posibilidad de llegar a productos de síntesis y el compartir, al  visibilizar un producto estético generado en la construcción grupal del movimiento.

El hecho estético es una poderosa fuerza, que al ser comunicada genera una instancia en la que persisten las imágenes en el espectador.

CONGRESO_2017_3

Alejandro Reisin, Director de la Primera Escuela Argentina de Danzaterapia.

Alejandro siempre trae preguntas que nos hacen reflexionar, y nos lleva a cuestionar críticamente, con lucidez, aquellos términos de los cuales nos apropiamos sin profundizar. Habló de la resiliencia, como un término que hemos tomado de la física, referido a la cualidad de un metal de recuperarse tras diversas pruebas a las que es sometido. Y se preguntó, y nos hizo preguntarnos… ¿qué sucede si el proceso falla? ¿Qué pasa con los que no pueden sobreponerse? Rescato algo que me resonó. “fuerza constituida en proceso para sostener”. Me resultó muy importante comprender la resiliencia como un proceso de recuperación, y no tanto como una cualidad o capacidad, que implicaría un juicio hacia aquel que puede o no puede “lograrlo”.

Y eso nos llevó preguntarnos desde el rol de terapeutas creativos ¿de qué modo podemos acompañar y habilitar este proceso?

También me pareció muy importante su planteo en relación a lo que implica buscar la transformación desde la libertad y la elección, y no desde la re-adaptación. Y que en esto consiste justamente el hacer terapéutico creativo, para diferenciarnos de una postura pasatista de entretenimiento.

Este aspecto fue rescatado por la coordinadora del panel la Lic. Julia Pomiés directora de la Revista Kiné, cuando habló de los aportes singulares que se habían desplegado en la presentación de todos los integrantes del panel, con tantas propuestas que nos ofrecían recursos nuevos para alejarnos del discurso hegemónico. Estos son los caminos nuevos que los danzaterapeutas podemos transitar para ejercer nuestra tarea, que lleva necesariamente al cambio de estructuras y paradigmas.

IMG_2808

Lic. Cecilia Palles, Musicoterapeuta, y Leticia Coronel asistente de Danzaterapia.

 Cecilia y Leticia nos trajeron su aporte invaluable, contando de su maravillosa tarea en el Htal. Garraham.

Lo que hablaron se magnificó al escuchar a Tadeo tocar con su banda. Porque pudimos apreciar el proceso que había “detrás del telón”. El modo en que pudieron sostener y llevar la organización, el desarrollo de lo creativo, la comunicación , el despliegue de las cualidades expresivas , dan cuenta de un gran trabajo , hecho con amor, con cuidado, con respeto, apoyando el crecimiento de los pacientes y ofreciendo espacios para que el arte cobre vida y valor .

La calidad de la música, los matices, el ritmo, la alegría y la generosidad de su música nos transportaron y nos brindaron el final que todos necesitábamos.

IMG_2810

Lic. Amanda Boneta. DMT. “La danza del DMT. Devenir dialogal entre el dolor y el talento en movimiento con otro”

Fue un taller muy rico en contenidos, muy profundo, que nos brindó una herramienta sustancial para el trabajo con las heridas traumáticas, dando una vuelta transformadora al trabajo del espejo y la díada terapéutica. Danzar la propia, y luego verlo espejado, danzar lo que te hace fuerte, responder desde mi fortaleza al dolor que veo espejado.

Ser sostén del otro mostrando su dolor puede, abrumador, desafiante, revelador. Era tanto lo que el moviente dice, puede verse a la vez tan claro y complejo. Es preciso estar presente y estar atento al modo en que espejamos, ¿con fidelidad o distorsionando lo dicho? Seguramente sumaremos movimientos propios, filtrando lo que vimos desde nuestra propia percepción. Cuando como espejo danzábamos la herida,  la moviente respondía con su fortaleza. Fue una gran experiencia.

El rol de ser  “la herida” puede ser más duro, uno puede tener deseos de huir de la situación, por el miedo a exponerse. Pero abrirse a la experiencia puede ser transformador. Moverse  desde la propia fortaleza puede develar claves, recursos y saberes muy concretos, firmes y reales, que pueden ser instrumentados en el presente.

Es interesante ver todas las variables. Algunas díadas eran más jocosas, reían, hablaban, hacían sonidos. Otras eran más silenciosas y se percibía la profundidad y el compromiso con el cual  estaban trabajando.  ¿Qué pasa cuando el  espejo no se rinde? , ¿Cuándo tarda en  sanar, y requiere más apoyo, más atención?  ¿Qué sucede si muestra aristas que uno no había visto? ¿ O si vemos que está sumando sus propios movimientos, armando una versión algo distinta a lo que recordamos haber danzado? ¿De qué modo impactan todas estas posibilidades en ese acuerdo de ir cerrando la herida? ¿Cómo puedo apoyar a mi reflejo para fortalecerme?

Este trabajo nos llevó a afrontar que como danzaterapeutas, el auto-sostén es la base de todo. Desde esa claridad podremos asistir y acompañar a otros en su recuperación.

Realmente fue una experiencia transformadora y reveladora.

Lic. Guillermo Molina DMT, “Taller Vivencial y teórico. “ Experiencias Clínicas en procesos individuales y grupales. Especificidad de la DMT. Un camino hacia la resiliencia”

Guillermo comenzó relatando sus experiencias clínicas.

Resumo algunos puntos que me parecieron fundamentales:

Rescatar el movimiento repetitivo del paciente psicótico.

En tantos años de clínica, compartiendo equipo en centros de días y hospitales, he escuchado desde diferentes corrientes de pensamiento que estos movimientos debían ser “eliminados” “suprimidos” con diversas técnicas terapéuticas. Siempre me pareció una postura violenta e irrespetuosa hacer eso.  Y siempre tomé del paciente todo lo que hacía, incluyendo sus movimientos “estereotipados”, que a veces son lo único que tenemos para comenzar. Al acompañar desde ese respeto siempre había una salida hacia otro camino. Por eso me llamo mucho la atención este relato, cuando Guillermo hablaba del gesto que hacia su paciente con las manos.

El sí se detenía a mirar que pasaba ahí, cuál era la causa que provocaba la reacción, como en este caso, la verborragia de la madre o el discurso del terapeuta. Entonces el contaba de qué modo cómo psicólogo y DMT, podía leer esa señal.

Y luego contó como hizo un trabajo con un globo, validando el gesto, para hacer algo a partir de eso. Me parece fundamental poder tener esa paciencia, esa aceptación desde nuestro rol, y tomar el gesto, el movimiento que el paciente trae, y quedarnos ahí, y darle cabida para poder desarrollarlo.

También me pareció muy importante esta propuesta de “qué parte del cuerpo puede hablar”. Porque si pensamos en el ideal de un  cuerpo no fragmentado, trabajamos en base a lo que no está sucediendo y quizás nunca suceda. En cambio, si aceptamos que sí hay una parte del cuerpo que puede hablar, abrimos la puerta, y estamos aceptando a un moviente que si, está fragmentado, está profundamente dañado, y lo aceptamos. Acuerdo con Guillermo en este punto, porque tiene que ver con el modo en que podemos aceptar al paciente como es, como está, dejando de lado nuestros modelos de como “debe ser”

En ese momento una participante, preguntando por este tema, aportó que el trabajo sobre el peso podría ayudar en estos casos. Entiendo que es así, pensando en el trabajo de Marian Chase, cuando tomaba el peso desde la rueda, fortaleciendo el anclaje desde el grupo. Pero también es necesario aclarar que es un tema que debe ser analizado, dado que no todas las técnicas de trabajo con el peso pueden aplicarse en la psicosis, y que hay que tener sumo cuidado al respecto.

Me pareció excelente, y me quedaron algunos temas importantes… Estar ahí, prestar el cuerpo, la validez de los diferentes caminos.

congreso_2017_4El trabajo que vino después, nos llevó a compartir grupalmente con telas, elásticos, dejando que lo que se generaran ideas grupales que llevaban a la comunicación y al disfrute del movimiento. Me llamó la atención la protesta que surgió cuando se anunció el final del juego, dejar los materiales en el centro para cerrar. Eso habla del entusiasmo que se había generado.

El final a pura cumbia

Fue muy gratificante, entrelazarnos, bailar, compartir y despedirnos desde la alegría, festejando el habernos encontrado.

A %d blogueros les gusta esto: